Alexandre Gurita
艺术家。巴黎双年展（Biennale de Paris）及巴黎国立艺术学校（ENDA，École nationale d’art de Paris）主任。
他提出了“非视觉艺术”（art invisuel）这一概念，用以定义一种以艺术作品之外的形式存在的艺术类型。非视觉艺术推动了一场自文艺复兴以来的范式转变：艺术作品仅仅是艺术可能采用的众多形式之一，而非唯一形式。非视觉艺术因此构成了面向21世纪及未来艺术的一种具有风险但可信的路径。
他的艺术研究涉及“机构捕获”（captation institutionnelle）、“批判性机构”（institution critique）、“横向经济”（économie transversale）、“多模态性”（multimodalité）、“水的策略”（stratégie de l’eau）、“非对称性”（asymétrie）以及“宏观批判”（macrocritique）等方向。
Alexandre Gurita积极与其他专业人士合作，推动一种摆脱过去所遗留下来的限制性观念的全新艺术视野。他将艺术体系本身视为一种工作材料。通过摆脱视觉艺术对艺术的垄断，以及“如果艺术不是视觉性的，它就不存在”这一看似确定的观念，非视觉艺术使“艺术”这一概念本身变得相对化。
他曾在毕尔巴鄂古根海姆博物馆、耶鲁大学、Apexart、皇后区艺术博物馆、纽约视觉艺术学院（SVA）、黎巴嫩美术学院（ALBA）、巴黎大皇宫、巴黎市立现代艺术博物馆、东京宫以及巴黎第一大学先贤祠-索邦大学举办讲座和工作坊。
Alexandre Gurita语录：“艺术是艺术之艺术。”“艺术是不可能与本质之间的捷径。”“我们没有任何确凿证据证明艺术依赖于艺术作品，因此我们可以假设相反的情况。”“思考艺术是危险的，而被艺术所思考则可能是致命的。”
Ricardo Mbarkho
艺术家。黎巴嫩美术学院（ALBA，巴拉曼德大学）助理教授、研究主任及研究与创作中心主任。巴黎双年展的积极参与者，并发起多个外部项目。
他探索并理论化一种摆脱艺术作品、公众和语境观念的艺术所涉及的审美、经济、政治和社会条件及衡量方式；这是一种后非物质艺术：既没有物质对象，也没有非物质对象。在一种理想类型中，这是一项关于“没有艺术的艺术”的研究与创作，其中艺术实践的载体本身成为社会经济模式。
1998年，他在巴黎国立高等美术学院（ENSBA）结识Alexandre Gurita。两人共同实验新的艺术路径，这些实践后来被称为“非视觉艺术”（art invisuel）。如今，这一艺术类型已汇聚世界各地众多艺术家与机构。
部分实验性非视觉艺术项目包括：“Pierre Yves Fave Portes Ouvertes”、“Autoexposition”、“Chacun a de l’art ce que l’art a de lui-même”、“Paris Côte Ouest”、“Installation d’un radiateur”以及“Association pour la propriété intellectuelle de l’être sur lui-même”。
Ricardo Mbarkho拥有巴黎北索邦大学博士学位，其博士论文研究文化产业向创意产业的转变，并特别深入研究媒体艺术。他还毕业于贝鲁特黎巴嫩大学美术与建筑学院、巴黎高等电影研究学院（ESEC）以及巴黎国立高等美术学院（ENSBA）；此前，他还曾在美国卡内基梅隆大学美术学院学习新媒体艺术。
他曾在艾克斯-马赛大学、ANdEA（斯特拉斯堡）、ARS Electronica（林茨）、巴黎双年展、巴黎国立艺术学校（ENDA）、巴黎国立高等美术学院（ENSBA）、网球场国家画廊（巴黎）、欧洲与地中海文明博物馆（MUCEM，马赛）、Transmediale（柏林）以及联合国教科文组织（巴黎）举办讲座和工作坊。
Gary Bigot
艺术家。巴黎双年展卢森堡项目的发起人。巴黎双年展的积极参与者。
Gary Bigot被认为是最早的非视觉艺术家之一。他发展出一种艺术实践，其基本原则是：一切都在没有他本人任何介入的情况下被完成、生产和安装。
在实践中，他采取以下激进原则：不亲自生产、不自我宣传、不为自己谋利、不以个人名义拥有所有权。
自1985年以来，他将自己的湿度测量原则（principe de l’hygrométrie）视为其作品。其特殊的运作方式指向我们每一个人——能够感受、生产、认知与交流的人。他将其视为自己的自画像，同时也是“每个人的肖像”。
这一具有解放性的行为与立场，使他能够彻底地认为：他的所有作品都已经被生产和安装，并且仍在持续自行发生和自行安装，无须他的介入。对他而言，继续生产更多作品不仅是多余的，而且在艺术上也是不值得的。
这种极端而明确的态度所打开的空间出人意料，并促使人们进行思考和创造。之后发生的一切不再属于他的职责。他将自己置于一个参与其中的观察者位置，面对一件已经完成却并未封闭的作品。
他让自己的概念和态度自由运行；如果外部出现需要，他允许任何人使用它们，创作作品、举办展览、发表论述等，甚至可以进行商业化并自行获利——而且无须获得他的同意。
他曾在巴黎国立艺术学校（ENDA）及卢森堡贝尔瓦大学等机构举办讲座。Gary Bigot发起了巴黎双年展卢森堡项目（2018—2020），其中包括一个应用程序，让公众兼使用者通过向电脑或智能手机吹气来进行地理定位。
Roxane Vidalon
哲学与非视觉艺术研究所（IAPI，Institut d’Art Philosophique et Invisuel）主任——开展非视觉艺术驻留、理论研究、文献整理与培训。哲学与非视觉艺术研究者、哲学艺术家（artiste philosophale）。
目前，她正在法国蒙彼利埃大学攻读美学研究硕士学位，研究方向为艺术哲学与精神分析。她毕业于巴黎国立艺术学校（ENDA），并在那里提出设立“非视觉艺术的理论与哲学基础”研究与实验方向（LDRE）。
此前，她曾在法国塔布音乐学院教授当代舞。2016年起，她转向视觉艺术，包括纹身和插画。2018年，她全面投入造型艺术领域，深化自身研究，并持续发展其哲学思考。早在2013年，她便开始攻读哲学学士学位，目的正是将艺术实践与哲学思考结合起来。
2023年，Roxane Vidalon决定暂时停止艺术作品的生产，转而深入研究艺术、物质及其抽象化。2024年3月，她创立哲学与非视觉艺术研究所（IAPI），并于同年正式向公众推出。
她最近的文章《L’Œufre au Rose》于2024年2月发表于《Revue de Paris》第54期。她最近一次关于非视觉艺术的讲座题为《艺术是假的吗？非视觉艺术作为一种回应》（L’art est-il faux ? L’art invisuel comme réponse），于2024年7月在法国奥克西塔尼大区上加龙省Soueich艺术周期间举行。
2024年5月，《La Dépêche》发表了Stéphane Boularand撰写的文章《Roxane Vidalon，以非视觉艺术突破界限》（Roxane Vidalon, l’art invisuel pour repousser les limites），介绍了她的艺术研究。
Éric Monsinjon
哲学家、艺术史学家。他提出了一套能够创造新艺术类型的理论。在艺术史领域，他是巴黎双年展的重要贡献者。
作为艺术史学家和哲学家，Éric Monsinjon专门研究20世纪艺术先锋派以及实验性当代艺术。他的研究尤其关注法国先锋艺术运动，如字母主义（Lettrisme）和情境主义国际（Internationale Situationniste）。
作为教师，他在巴黎法兰西喜剧院学院、巴黎国立艺术学校（ENDA）以及法国多所艺术院校教授艺术史。他也是“L’Anti-Esthétique”的创办人，这是Mediapart平台上的一个博客，致力于向公众介绍实验性艺术研究。
目前，他正在构建一套关于新艺术类型如何形成及形式化的一般理论。该理论旨在通过适当的行动和方法，有意识且系统地将某些人类活动或非艺术领域的知识转化为独立的艺术类型。
他认为，创造行为不应局限于一件艺术作品的尺度，而应进一步扩展到创造“一种艺术”本身的尺度。
2023年，他与José Manrubia及Alexandre Gurita共同创立了一种新的艺术类型：Corrida Etica。
Rose Marie Barrientos
论证学博士。巴黎双年展的参与者，尤其在理论研究方面作出贡献。
她从艺术作为一种思想、话语和知识形式的理解出发，探索“艺术作为论证”的可能性。更具体而言，她关注艺术家组织——即所谓的“批判性企业”（entreprises critiques）——这是她研究的核心对象。
作为一名论证主义艺术史学者，她建立了一套以论证理论为基础的方法论，运用这一学科的工具来书写艺术史。
她的方法侧重分析艺术家为了赋予自身实践以意义而采用的论证策略，而不是以艺术作品的生产为中心，无论这些作品具有视觉性质还是非视觉性质。
她更重视论证要素及论证自身的动态，而非承载论证的形式与内容。她经常参与巴黎双年展的各项活动。
Ghislain Mollet-Viéville
艺术顾问代理人、艺术评论家、巴黎上诉法院荣誉专家，国际艺术评论家协会（AICA）成员。巴黎双年展的积极参与者。
Ghislain Mollet-Viéville是巴黎双年展及《Revue de Paris》最活跃的合作者之一。为了支持突破传统框架的艺术实践，他开创了“艺术代理人”（agent d’art）这一职业，旨在处理艺术与社会之间的关系。
自1994年以来，他曾于1975年至1992年居住的巴黎Beaubourg街公寓被原样重建，并连同其极简艺术与观念艺术收藏，永久陈列于日内瓦现代与当代艺术博物馆（MAMCO）。
Ghislain Mollet-Viéville通过调动社会中的不同机构和主体，更新艺术作品的生产、传播、收藏与再激活方式。这些作品因其独特性，需要全新的呈现和激活原则。对他而言，艺术对象不再是艺术的对象！
在他的实践中，无论从物质层面还是思想层面，艺术的身份与地位问题都受到高度重视，从而使作品能够根据特定的时间与地点获得不同的诠释。
Loli Tsan
将非视觉艺术应用于音乐领域的专家。巴黎双年展的参与者。
Loli Tsan成长于作曲家家庭，是一名古典钢琴家，获得巴黎师范音乐学院钢琴学位，同时拥有巴黎第四大学第三阶段博士学位以及加州大学洛杉矶分校（UCLA）罗曼语言学与文学博士学位（Ph.D. in Romance Linguistics and Literatures）。她现任纽约州立大学中世纪文学教授。
她的研究成果包括论文《中世纪身体的碎片化与书写》（Fragmentation et Écriture du Corps au Moyen-Âge）、多篇关于全球化在法国的接受以及12世纪罗曼语文学的文章，并著有《艺术面对独特性的考验》（L’Art à l’épreuve de la singularité）。
Loli Tsan曾在美国、中国、巴西、突尼斯以及欧洲的法国、希腊、意大利和比利时等地多所大学的学术会议上介绍其研究。
她目前的研究聚焦于“声音之外的音乐”（Musique au-delà du Son），以及非视觉艺术与音乐中声音解体之间的平行关系。她与Alexandre Gurita合作，为ENDA Autonome（巴黎国立艺术学校ENDA的线上版本）录制一系列关于音乐去物质化的课程。
Sylvain Soussan
艺术家，“云博物馆”（Musée des nuages）创始人，也是将巴黎双年展每届持续时间扩展至两年的倡议者之一。
“云博物馆”关注能够减少碳排放或放射性排放的技术，包括风力发电、潮汐能、光伏能源以及隐含能源等。
人类能量的动员本身也是一种资源。“云博物馆”试图赋予这种资源以价值，将对作品的感知转化为“感知的作品”。Sylvain Soussan在2000年代将生态议题引入艺术。
Mariem Memni
非视觉艺术家、迁移学家（migrologue）。欧洲艺术促进移民融合学校（EEIMA）主任及创始人。她发起了“艺术与迁移论坛”（Forum Art & Migration），巴黎双年展为其合作伙伴。
作为非视觉艺术家和迁移学家，Mariem Memni现任位于布鲁塞尔的欧洲艺术促进移民融合学校（EEIMA）主任。她拥有突尼斯苏塞高等美术学院（ISBAS）硕士学位，并于2021年获得巴黎国立艺术学校（ENDA）的国家艺术研究与实验文凭（DNREA）。
Mariem Memni发展出一种由她本人创造的非视觉艺术实践——“chata”，其定义为：“一种将负能量转化为正能量、从而保障群体内部和谐的过程”。
她还开展名为“lifeformance”的实践，这是一种以整个生命为尺度的行为实践，将完整的人生视为一个艺术过程。
此外，Mariem Memni创立了一门新的学科——“迁移学”（migrologie），将移民视为潜在的艺术家，使其能够将自身的迁移生活转化为艺术作品。
EEIMA建立在这样一种理念之上：非视觉艺术能够在移民的社会融合与自主解放过程中发挥关键作用。在EEIMA内部，她设计了一套“适应量表”（échelle de l’adaptation），用于衡量移民对其所处融入环境的适应或不适应程度。
最近一篇提及Mariem Memni的文章是Audrey Poussines撰写的《作为实验性公民的非视觉艺术家》（L’artiste invisuel comme citoyen expérimental），发表于2024年5月的《Étapes》杂志。
Im-another Lazyartist
将懒惰视为一种艺术形式的非视觉艺术家。“国际懒惰艺术日”（Journée internationale de l’art de la paresse）的发起人，巴黎双年展为该项目的合作伙伴。
她以“Im-another Lazyartist”为化名进行艺术实践，意即“懒惰的艺术家”。她撰写一份日记，在其中解释自己为什么不创作艺术作品。每一次给出的理由都不同，这些理由共同构成了艺术作品之后各种可能性的丰富集合。
其中包括：
“今天我不会创作艺术作品，因为我有这个权利。我正在行使作为艺术家的自由。”
“今天我不会创作艺术作品，因为在当代艺术的商业世界里，一件作品似乎必须拥有一个英文标题才能存在，而我的英语水平并不理想，因为英语不是我的母语。”
“今天我不会创作艺术作品，因为我是一个女性艺术家，我的双腿之间有《世界的起源》。今天我不会创作艺术作品，因为我已经创造了生命，而现在，我必须喂养它、摇它入睡、给它换尿布、给它洗澡，连续几个小时听它尖叫而不把它扔出窗外，当然，还要爱它。而且，因为像太多女性一样——无论是否单身——我独自承担这一切，所以我当然没有时间创作艺术作品。”
“今天我不会创作新的艺术作品，因为一切都已经被做过了。再也没有任何创作能够真正是‘新的’，在这个后现代、后工业时代，一切都不过是再循环。”
“今天我不会创作艺术作品，因为我不过是又一个懒惰的艺术家，寄生于体制、依靠社会生活，领取那些与我的家庭状况、职业状况、每月收入以及我们的前人所争取并建立的国家团结机制毫无关系的补助；我是那些冒名顶替的懒惰艺术家之一，声称凭借所谓的‘想法’来做艺术，并把作品卖到数百万——要是真能这样就好了！……”
Gilbert Coqalane
城市非视觉艺术家、法国城市艺术联合会（Fédération de l’Art Urbain）理事会成员，并参与学校教育项目。他发起了巴黎双年展中与知识产权、培训以及“扰动”（perturbation）相关的多个项目。
他于2021年获得巴黎国立艺术学校（ENDA）的国家艺术研究与实验文凭（DNREA），并担任L’Armée Recrute出版社主席。同年，他在法国南锡创立C.D.R.A.O.（进攻行动文献、研究与应用中心），这是一个致力于创造、发展和推广“扰动”与“进攻”作为艺术行动的机构。
“扰动主义”（perturbationisme）构成了历史上第一个非视觉艺术运动，并于2021年11月1日在南锡正式发起。
对于艺术家而言，“扰动”是一种艺术语言。它被定义为一种旨在扰乱公共空间现实或改变其使用者感知的行动。一系列扰动共同构成一次“艺术进攻”（offensive artistique）。
艺术进攻的目标是在现实世界和公共空间中产生实际结果。扰动主义与城市艺术以及公共空间中的艺术具有紧密联系。其核心目标是面对现实，并尝试通过扰动来改变现实。
扰动必然具有批判性，因为它对既定秩序提出质疑。
Yosr Mahmoud
非视觉母系艺术家（matriartiste）。她在巴黎双年展框架内发展“款待”作为一种艺术媒介。
她拥有突尼斯苏塞高等美术学院（ISBAS）硕士学位，并曾于2023—2024年巴黎国立艺术学校（ENDA）第XXIV期担任实践研究者。
她发展出“款待美学”（Esthétique de l’hospitalité），这是一系列围绕迎接、接待与共处展开的实践，将款待视为非视觉艺术中一个独立且完整的类别。
这种美学超越艺术作品本身，并将女性艺术家的日常生活视为一种可以被投入艺术实践的价值。
Yosr Mahmoud创造了“matriartiste”这一术语，旨在为艺术中的作者身份赋予性别维度，并凸显作为母亲的女性艺术家在一个仍由父权结构占主导地位的环境中的价值。
作为一名积极介入现实的艺术家，Yosr Mahmoud探索自己的家族谱系身份，并从祖先遗产所承载的价值中汲取资源。
她最近一次关于“款待美学”的讲座在突尼斯苏塞举行的国家文化节JEPTAV 2024框架内举办，主题为“非视觉艺术：应用与介入的领域”。
下一次活动：艺术与迁移论坛——适应作为一种艺术形式，布鲁塞尔，2024年9月7日。
Paul Ardenne
当代艺术史学家、艺术评论家及策展人。巴黎双年展的积极参与者。
Paul Ardenne致力于研究当代艺术，尤其关注艺术、社会与环境之间的互动关系。他著有多部具有影响力的著作，研究主题涉及环境美学、公共艺术以及艺术与生态之间的关系。
他的主要出版物包括：《Art, l’âge contemporain》（1997）、《L’Art dans son moment politique》（2000）、《Un Art contextuel》（2002）、《Extrême – Esthétiques de la limite dépassée》（2006）、与Régis Durand合著的《Images-Monde. De l’événement au documentaire》（2007）、《Art, le présent. La création plastique au tournant du 21e siècle》（2009）以及《Un Art écologique》（2018）。其新作《Hors de vue – De l’invisuel et de la minoration physique de l’art》预计于2024年底出版。
Paul Ardenne策划了众多展览，其中包括：《Micropolitiques》（Magasin，格勒诺布尔，2000）、《Expérimenter le réel》（阿尔比—蒙彼利埃，2001及2002）、《Working Men》（日内瓦，2008）、巴黎大皇宫《La Force de l’art》（2006），以及第56届威尼斯艺术双年展卢森堡馆（2015）。
他积极参与巴黎双年展及巴黎国立艺术学校（ENDA）的活动。他是首位撰写有关Alexandre Gurita领导下巴黎双年展文章的艺术理论家。2000年，他撰写《Expérimenter une biennale》，该文于2004年作为巴黎双年展第十四届展览图录的序言发表。
Elisa Bollazzi
非视觉艺术家。在巴黎双年展框架内组织“观看室”（Cabinets de Regard）。
她的艺术实践是在艺术家工作室、画廊、博物馆及展览中提取艺术作品的微小部分，并将其称为“微元素”（microéléments）。所有这些微元素共同构成一套“微型收藏”（Microcollection），目前已拥有超过1000件碎片。
她的微型收藏可以通过显微镜进行观看。显微镜被安装在艺术家设置于艺术场所或其他类型空间中的“观看室”内。
Elisa Bollazzi的实践具有集体性。她邀请其他艺术家向她提供自己艺术作品的碎片。这些艺术家由此成为捐赠者，其作品也以一种完全不同于传统方式的形式获得呈现和价值。
Robert Storr
作家、艺术家、艺术评论家，耶鲁大学艺术学院前院长，国际艺术研究基金会（International Foundation for Art Research）艺术委员会成员。巴黎双年展纽约项目的共同组织者。
Robert Storr是首位担任威尼斯双年展总监的美国人。1990年至2002年，他曾担任纽约现代艺术博物馆（MoMA）绘画与雕塑部首席策展人。
他为众多报纸和杂志撰稿，包括《Art in America》、《Artforum》、《Art Press》、《The New York Times》、《The Washington Post》、《The Village Voice》、《Interview》、《Parkett》及《Frieze》等。
部分出版物包括：《In direzione ostinata e contraria: scritti sull’arte contemporanea》（2011）、《September: A History Painting by Gerhard Richter》（2009）以及《Gerhard Richter: the Cage Paintings》（2009）。
他曾表示：
“今天，艺术家所做的事情如此多样，又如此广泛地分布在各个领域，以至于像过去那样试图寻找某种占主导地位的艺术趋势，实际上已经没有意义。如果像我一样，把艺术想象成一个巨大的河口，由许多宽度、深度和流速各不相同的水道组成，那么我们就不应该只沿着最宽、最快的水道前进。我们还必须探索那些更狭窄、更缓慢、有时却更深的水道，以及那些通向令人意外和神秘方向的支流。绘制这样一个空间有许多不同的方法，却没有任何办法能够完整地遍历它。因此，我的策略是尝试逐一追随不同的水流，在关注某些特定区域的同时，也尽可能获得整个景观的整体印象。我已经不再接受艺术存在所谓‘主流线路’这一观念。”
André Eric Létourneau
行动实践者（manœuvrier）及非物质文化遗产艺术家。在部分国家代表巴黎双年展。
他曾任蒙特利尔艺术委员会“新艺术实践”评审委员会成员，并任教于加拿大魁北克大学蒙特利尔分校（UQAM）。
他的艺术实践表现为在现实生活中发生的亲身经验，通过采用传统上与艺术相关的方法进行实验，以推动社会实践发生变化。
作为行动实践者和非物质文化遗产艺术家，他曾于2009年至2012年担任蒙特利尔艺术委员会新艺术实践评审委员会成员，并任教于魁北克大学蒙特利尔分校。
他的实践以现实中的生活经验为形式，旨在通过建立在艺术方法论基础上的实验推动社会实践的演变。他以不同化名开展具有介入性的实践。
这些活动具有“准艺术”（para-artistique）的性质，他将其渗透到不同的社会结构之中，尤其包括邀请他参与工作的企业。他反对当代艺术中的某些近期趋势，因为在这些趋势中，政治内容往往被工具化，并服务于再现的目的。
Tomasz de Rosset
17世纪至21世纪艺术收藏史学家。巴黎双年展波兰项目共同协调人。
Tomasz de Rosset是17世纪至21世纪艺术收藏领域的专家。他一方面从最经典的意义上研究艺术收藏的概念，另一方面也关注非视觉艺术，因为非视觉艺术从根本上质疑了传统的艺术收藏观念。
他尤其关注这样一个问题：那些乍看之下无法被收藏的艺术形式——例如非视觉艺术实践——是否也可能成为收藏的对象。