Alexandre Gurita
Artista. Director de la Bienal de París y de la ENDA (École nationale d’art de Paris).
Es el creador del concepto de arte invisual, que define un género de arte que existe de una forma distinta a la obra de arte. El arte invisual opera un cambio de paradigma con respecto al modelo vigente desde el Renacimiento, al considerar que la obra de arte es solo un formato entre otros y no el único posible. El arte invisual se constituye como una perspectiva arriesgada pero creíble para el arte del siglo XXI y más allá.
El artista explora ejes como la «captación institucional», la «institución crítica», la «economía transversal», la «multimodalidad», la «estrategia del agua», la «asimetría» y la «macrocrítica». Alexandre Gurita trabaja activamente con otros profesionales para promover una nueva visión del arte, liberada de las creencias limitantes heredadas del pasado.
El artista considera el sistema del arte como un material de trabajo. Al liberarse del monopolio del arte visual sobre el arte y de la aparente certeza según la cual, si el arte no es visual, no existe, el arte invisual relativiza la propia noción de arte.
Ha impartido conferencias y dirigido talleres en el Guggenheim Museum Bilbao, Yale University, Apexart, Queens Museum of Art, School of Visual Arts (SVA), Académie Libanaise des Beaux-Arts (ALBA), Grand Palais, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Palais de Tokyo y Paris 1 Panthéon-Sorbonne.
Citas de Alexandre Gurita: «El arte es el arte del arte». «El arte es el atajo entre lo imposible y lo esencial». «No tenemos ninguna prueba seria de que el arte dependa de la obra de arte y, por esta razón, podemos suponer lo contrario». «Pensar el arte es peligroso; ser pensado por él resulta fatal».
Ricardo Mbarkho
Artista. Profesor Asistente, Director de Investigación y Director del Centro de Investigación y Creación de la Académie Libanaise des Beaux-Arts (ALBA, Universidad de Balamand). Colaborador activo de la Bienal de París e iniciador de proyectos externos.
Explora y teoriza las condiciones y dimensiones estéticas, económicas, políticas y sociales de un arte que se emancipa de las ideas de obra, público y contexto; un arte postinmaterial, sin objeto material ni inmaterial. En su forma ideal, se trata de una investigación-creación de un arte sin arte, en la que el soporte de la práctica artística pasa a ser el propio modelo socioeconómico.
En 1998 conoce a Alexandre Gurita en la École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (ENSBA). Juntos experimentan con nuevos enfoques artísticos que posteriormente serán conocidos bajo el nombre de arte invisual, un género artístico que hoy reúne a numerosos artistas e instituciones de todo el mundo.
Entre sus proyectos invisuels experimentales figuran: «Pierre Yves Fave Portes Ouvertes», «Autoexposition», «Chacun a de l’art ce que l’art a de lui-même», «Paris Côte Ouest», «Installation d’un radiateur» y «Association pour la propriété intellectuelle de l’être sur lui-même».
Ricardo Mbarkho es doctor por la Université Sorbonne Paris Nord. Su tesis aborda las transformaciones de las industrias culturales hacia las industrias creativas, con especial atención al estudio de las artes mediáticas. También es graduado por la Facultad de Bellas Artes y Arquitectura de la Universidad Libanesa de Beirut, la École Supérieure d’Études Cinématographiques de París (ESEC) y la École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (ENSBA), tras haber cursado estudios de artes de los nuevos medios en la School of Fine Arts de Carnegie Mellon University, en Estados Unidos.
El artista ha impartido conferencias y dirigido talleres en Aix-Marseille Université, ANdEA (Estrasburgo), Ars Electronica (Linz), Bienal de París, École nationale d’art de Paris (ENDA), ENSBA, Jeu de Paume (París), MUCEM (Marsella), Transmediale (Berlín) y UNESCO (París).
Gary Bigot
Artista. Iniciador de la Bienal de París en Luxemburgo. Colaborador activo de la Bienal de París.
Considerado uno de los primeros artistas invisuels, Gary Bigot desarrolla una práctica artística basada en la idea de que todo está hecho, producido e instalado sin ninguna intervención por su parte. Adopta en su práctica las siguientes resoluciones radicales: no producir por sí mismo, no promocionarse a sí mismo, no obtener beneficios para sí mismo y no poseer nada a título personal.
Desde 1985, su principio de la higrometría debe considerarse como su obra. Su funcionamiento específico remite a cada uno de nosotros como seres sensibles, productivos, conocedores y comunicativos. La considera su autorretrato o incluso el «retrato de cada uno». Este acto-posicionamiento liberador le ha permitido considerar radicalmente que todas sus obras están producidas e instaladas, se producen y se instalan sin su intervención.
Producir más le parecía superfluo y artísticamente indigno. La apertura creada por esta actitud extrema y definitiva resulta insospechada e invita a la reflexión y a la creación. Lo que ocurre posteriormente deja de concernirle. Se sitúa como observador implicado de una obra terminada, pero no cerrada.
Libera su concepto y su actitud y, si surge una necesidad externa, autoriza a cualquiera a utilizarlos, realizar obras, exposiciones, discursos, etc., incluso comercializarlos en su propio beneficio. ¡Y todo ello sin su consentimiento!
El artista ha impartido conferencias, entre otros lugares, en la École nationale d’art de Paris (ENDA) y en la Universidad de Belval (Luxemburgo). Gary Bigot inició la Bienal de París en Luxemburgo (2018-2020), que consistió en una aplicación que permitía a los públicos-usuarios geolocalizarse soplando sobre un ordenador o un teléfono inteligente.
Roxane Vidalon
Directora del IAPI (Institut d’Art Philosophique et Invisuel) – Residencia de arte invisual, aportaciones teóricas, documentación y formación. Investigadora en Arte Filosófico e Invisual, artista filosofal.
Actualmente cursa un Máster de Investigación en Estética (Filosofía y Psicoanálisis del Arte) en la Universidad de Montpellier (Francia). Graduada por la École nationale d’art de Paris (ENDA), propuso allí la creación de una Línea de Investigación y Experimentación (LDRE) titulada «Fundamento teórico y filosófico del arte invisual».
Anteriormente enseñó danza contemporánea en el Conservatorio de Tarbes (Francia), antes de orientarse, a partir de 2016, hacia las artes visuales, entre ellas el tatuaje y la ilustración. En 2018 se involucró plenamente en las artes plásticas, profundizando en sus investigaciones y continuando su reflexión filosófica. Su trayectoria ya la había llevado a iniciar una licenciatura en Filosofía en 2013, con el objetivo de fusionar la práctica artística y la reflexión filosófica.
En 2023, Roxane Vidalon decidió dejar de lado la producción de obras de arte para dedicarse a un estudio profundo del arte, la materia y su abstracción. En marzo de 2024 fundó el Institut d’Art Philosophique et Invisuel (IAPI), cuyo lanzamiento público tuvo lugar ese mismo año.
Su último artículo, L’Œufre au Rose, fue publicado en la Revue de Paris (n.º 54) en febrero de 2024. Su conferencia más reciente sobre el arte invisual, titulada L’art est-il faux ? L’art invisuel comme réponse, tuvo lugar en julio de 2024 durante la Semaine des Arts de Soueich (Haute-Garonne, Occitania, Francia). En mayo de 2024, La Dépêche publicó un artículo de Stéphane Boularand sobre su trabajo, titulado Roxane Vidalon, l’art invisuel pour repousser les limites.
Éric Monsinjon
Filósofo e historiador del arte. Es el creador de una teoría que permite crear nuevos artes. Colaborador destacado de la Bienal de París en el ámbito de la historia del arte.
Historiador del arte y filósofo, Éric Monsinjon es especialista en las vanguardias artísticas del siglo XX y en el arte contemporáneo experimental. Sus investigaciones se centran especialmente en movimientos franceses de vanguardia como el letrismo y la Internacional Situacionista.
Como profesor, enseña historia de las artes en la Académie de la Comédie-Française de París, en la École nationale d’art de Paris (ENDA), así como en diversas escuelas de arte de Francia. Es también fundador de «L’Anti-Esthétique», un blog alojado en Mediapart dedicado a la investigación experimental en arte dirigida al público general.
Actualmente trabaja en la elaboración de una teoría general sobre la formación y formalización de nuevos artes. Se trata de transformar, mediante acciones y medios apropiados, determinadas actividades humanas o conocimientos no artísticos en artes autónomos, de manera consciente y metódica.
Considera que el acto de creación no debe limitarse a la escala de una obra de arte, sino extenderse también a la escala de un arte. En 2023 participó, junto con José Manrubia y Alexandre Gurita, en la fundación de un nuevo arte: la Corrida Etica.
Rose Marie Barrientos
Doctora en argumentación. Colaboradora de la Bienal de París, especialmente en el ámbito teórico.
Explora la posibilidad del arte como argumento, partiendo de una concepción del arte como forma de pensamiento, discurso y conocimiento. Más específicamente, se interesa por las organizaciones de artistas —denominadas «empresas críticas»—, que constituyen el núcleo central de su investigación.
La historiadora argumentalista ha formulado una metodología basada en la argumentación que permite escribir la historia del arte mediante instrumentos procedentes de esta disciplina. Su enfoque se basa en el análisis de las estrategias argumentativas utilizadas por el artista para dar sentido a su trabajo, en lugar de centrarse en su producción de obras, ya sean de naturaleza visual o invisual.
Privilegia los elementos argumentativos y la dinámica del argumento por encima de la forma y el contenido que lo transmiten. Participa regularmente en las actividades de la Bienal de París.
Ghislain Mollet-Viéville
Agente de arte y asesor, crítico de arte, experto honorario ante la Cour d’Appel de Paris y miembro de la Association Internationale des Critiques d’Art (AICA). Colaborador activo de la Bienal de París.
Ghislain Mollet-Viéville es uno de los colaboradores más activos de la Bienal de París y de la Revue de Paris. Para defender las prácticas artísticas que se sitúan fuera de los marcos tradicionales, inició la profesión de agente de arte, cuyo objetivo es gestionar el arte en sus relaciones con la sociedad.
Desde 1994, su apartamento de la rue Beaubourg —que ocupó entre 1975 y 1992— ha sido reconstruido de manera idéntica y se presenta de forma permanente, junto con su colección de arte minimalista y conceptual, en el Musée d’Art Moderne et Contemporain de Genève (MAMCO).
Ghislain Mollet-Viéville implica a diferentes instancias de nuestra sociedad con el fin de actualizar las modalidades de producción, difusión, adquisición y actualización de obras cuya originalidad requiere principios inéditos de presentación y activación. Con él, ¡el objeto de arte deja de ser el objeto del arte!
En sus acciones, la cuestión del estatuto del arte, tanto en el plano material como intelectual, se tiene ampliamente en cuenta a la hora de interpretar las obras en función de un tiempo y un lugar determinados.
Loli Tsan
Especialista en la aplicación del arte invisual a la música. Colaboradora de la Bienal de París.
Criada en una familia de compositores, pianista clásica titulada por la École Normale de Musique de Paris, doctora de tercer ciclo por Paris IV y Ph.D. en Lingüística y Literaturas Románicas (Romance Linguistics and Literatures) por UCLA, Loli Tsan es profesora de literatura medieval en la State University of New York.
Es autora de una tesis titulada Fragmentation et Écriture du Corps au Moyen-Âge, de numerosos artículos sobre la recepción de la globalización en Francia y sobre la literatura románica del siglo XII, así como de un libro titulado L’Art à l’épreuve de la singularité.
Loli Tsan ha presentado los diferentes aspectos de su investigación en numerosas conferencias celebradas en universidades de Estados Unidos, China, Brasil y Túnez, así como en distintos países europeos, entre ellos Francia, Grecia, Italia y Bélgica.
Su investigación actual se centra en la Música más allá del Sonido y en los paralelismos entre el arte invisual y la desintegración sonora en la música. En colaboración con Alexandre Gurita, trabaja en la grabación de una serie de cursos sobre la desmaterialización de la música para ENDA Autonome, la versión en línea de la École nationale d’art de Paris.
Sylvain Soussan
Artista y fundador del Musée des nuages, responsable, entre otras iniciativas, de la ampliación de la duración de cada edición de la Bienal de París a dos años.
El Musée des nuages se interesa por las tecnologías que reducen las emisiones de carbono o radiactivas: energía eólica, energía hidrocinética, energía fotovoltaica y energía incorporada.
La movilización de la energía humana constituye en sí misma un recurso que el Musée des nuages se propone poner en valor, transformando la percepción de las obras en obras de la percepción. En la década de 2000, el artista introdujo la ecología en el arte.
Mariem Memni
Artista invisual y migróloga. Directora y fundadora de la EEIMA (Escuela Europea para la Integración de los Migrantes a través del Arte). Iniciadora del Foro Arte & Migración, del que la Bienal de París es colaboradora.
Artista invisual y migróloga, Mariem Memni es directora de la École européenne pour l’intégration des migrants par l’art (EEIMA), con sede en Bruselas. Posee un Máster del ISBAS (Institut Supérieur des Beaux-Arts de Sousse, Túnez), así como un DNREA (Diplôme National de Recherche et d’Expérimentation en Art) de la ENDA (École nationale d’art de Paris), obtenido en 2021.
Mariem Memni desarrolla el chata, una práctica invisual que ella misma inventó y que define como un «proceso de conversión de la energía negativa en energía positiva que garantiza la armonía dentro de un grupo».
También desarrolla una práctica denominada lifeformance, una forma de performance a escala de la vida que considera la vida en su conjunto como un proceso artístico.
Asimismo, Mariem Memni creó una nueva disciplina, la migrología, que considera al migrante como un artista potencial capaz de transformar su vida como migrante en una obra de arte. La EEIMA se basa en la convicción de que el arte invisual puede desempeñar un papel crucial en la integración y emancipación de los migrantes.
En el seno de la EEIMA, la artista ha elaborado una «escala de adaptación», una herramienta que permite medir la adaptación o inadaptación del migrante a su contexto de integración.
El artículo más reciente que menciona a Mariem Memni, titulado L’artiste invisuel comme citoyen expérimental, de Audrey Poussines, fue publicado en la revista Étapes en mayo de 2024.
Artista invisual que considera la pereza como una forma de arte. Iniciadora del Día Internacional del Arte de la Pereza, del que la Bienal de París es colaboradora.
Artista invisual que trabaja bajo el seudónimo Im-another Lazyartist, es decir, «la artista perezosa». La artista escribe un diario en el que explica por qué no produce obras de arte. Las razones que expone son diferentes en cada ocasión y conforman una riqueza de posibilidades para el después de la obra.
Estas son algunas de ellas:
«Hoy no crearé una obra de arte porque tengo derecho a no hacerlo. Ejerzo mi libertad como artista».
«Hoy no crearé una obra de arte porque una obra debe tener un título en inglés para existir en el mercado del arte contemporáneo y mi nivel de inglés es aproximado, ya que no es mi lengua materna».
«Hoy no crearé una obra de arte porque soy una mujer artista y tengo el Origen del mundo entre mis piernas. Hoy no crearé una obra de arte porque ya he creado vida y ahora tengo que alimentarla, mecerla, cambiarle los pañales, lavarla, escucharla gritar durante horas sin tirarla por la ventana y, por supuesto, amarla. Y porque, como demasiadas mujeres —sean solteras o no—, hago todo esto sola, así que desde luego no tengo tiempo para crear una obra de arte».
«Hoy no crearé una nueva obra de arte porque todo se ha hecho ya; ninguna creación puede ser realmente “nueva”, todo es reciclaje en esta era posmoderna y posindustrial».
«Hoy no crearé una obra de arte porque soy una artista perezosa más, que parasita el sistema y vive a costa de la sociedad beneficiándose de prestaciones que no tienen nada que ver con mi situación familiar, ni con mi situación profesional, ni con mis ingresos mensuales, ni con la solidaridad nacional concebida y construida por nuestros predecesores; una de esas artistas perezosas e impostoras que pretende hacer arte con sus supuestas “ideas” y vende sus obras por millones (¡ojalá!…)».